Músicas propias en sitio propio + redes sociales

Escribo poco en este blog porque me interesaba tener un espacio de debate sobre música. En estos tiempos, Facebook resultó una herramienta mas abierta y horizontal que posibilitó que, aunque esporádicametne, tenga la oportunidad de escuchar, conocer y discutir sobre música con otros músicos, otros artistas y otros públicos. Asi que para debates en la web, me fui a FB.

En cuanto a mi música, centralicé toda la información de lo que hice y estoy haciendo en un stiio propio:

www.martinliut.com.ar.

Pasen y escuchen.

Ya que estamos: lo que se viene es el jueves 26 de junio, con una nueva presentación de Inventarios Argentinos 1. Glosario de la Pampa. En la UNQ. Más info sobre la obra y la fecha: Aquí

Inventarios argentinos 1: Glosario de la pampa

Sábado 26 de noviembre, 20 horas.

Centro Nacional de la Música 

México 564

Entrada gratuita (capacidad limitada)

Proyecto comisionado por la Secretaría de Cultura de la Nación para el ciclo “Obras Multimedia” del Bicentenario.

Duración aproximada: 60 minutos

Glosario de la pampa es el primer capítulo del ciclo Inventarios argentinos, un grupo de obras que tiene como objeto la reflexión artística en torno a nuestro patrimonio cultural.

En este caso, el epicentro se encuentra en la relectura del poema nacional por excelencia, el Martín Fierro, de José Hernández, realizada por el escritor Pablo Katchadjian.

La cercanía y extrañeza poéticas que provoca simultáneamente la reorganización formal del Martín Fierro es el disparador de esta obra multimedia que propone el contrapunto del poema con imágenes y sonidos asociados a ese universo literario.

El lugar donde transcurre el poema es revisitado desde el presente, a partir de un video que propone un recorrido por la pampa a través de una de sus rutas más emblemáticas: la Nacional n° 3.

La música, en un sentido amplio, establece diálogos con el poema y con el narrador, con sus voces y sus tiempos; así como también, con la información visual que se desprende del viaje por la ruta.

Los instrumentos elegidos responden también a los tópicos de lo conocido, pero son puestos en un nuevo diálogo. Si la guitarra es parte de la vida de Fierro y de la música popular argentina, el piano ha representado su contrafigura culta. En Glosario de la Pampa, ambos instrumentos se reencuentran, intercambian ideas y se mezclan con las nuevas tecnologías para generar el paisaje sonoro de la pampa actual.

 

Composición y dirección: Martín Liut

Martín Fierro Ordenado Alfabéticamente: Pablo Katchadjian

Puesta en escena: Fernando Rubio

Asistencia técnico-musical: Damián Anache

Narrador: Pablo Katchadjian

Piano: Sebastián Preit

Guitarra: Daniel Ducos

Laptop: Martín Liut

Foley electroacústico: Marcos Gallegos

Puesta sonora: Diego Campos/Axel Lastra

Cámara: Lorena Verzero, Martín Liut

Montaje y Subtítulos: Federico Sanles

Con el apoyo de:

Licenciatura en Composición con medios electroacústicos UNQ, 

Programa de investigación Teatro Acústico (UNQ), 

LIPM (Centro Cultural Recoleta)

Lecturas/Apuntes 1: Lachenmann, sobre el azar

Sobre lo que espera que suene en alguna de sus obras, dice Lachenmann: "Creo que la idea del azar ha sido mal comprendida. Cuando le pido a una orquesta que toque al unísono, tan rápido como le sea posible y producir un sonido particular, comenzando con la nota más aguda y terminando con la más grave, lo que resulta en algo que no puedo predecir. Depende de la orquesta, depende de lo que sucede. Si el mismo pasaje se tocara de nuevo, el resultado podría ser diferente. Pero esto no es un accidente, es otra versión de la misma cosa".

Tomado de una entrevista publicada en la Revista Circuit : musiques contemporaines, vol. 17, n° 1, 2007. Accesible aquí.

Observatorio de prácticas musicales emergentes

Hace unos días hizo su ya bienvenida y esparada "visita anual argentina" Rubén Lopez Cano.
Me crucé con él gracias a una invitación de la cátedra de semiótica de José Luis Fernández. A raíz de ese encuentro, lo invitamos a hablar sobre su texto "La música de la posthistoria" en la UNQ.
El trabajo de López Cano tiene muchos aspectos muy interesantes para mi. En particular, su interés antropológico de la praxis musical, en sus más diversas manifestaciones.
Al respecto, López Cano creó un blog que se llama "Observatorio de Prácticas Musicales emergentes". Como su nombre lo indica, su objetivo es dar cuenta de todas aquellas prácticas que, desde el presente, ponen en tensión las fronteras de lo que comunmente llamamos "música".
El texto orientativo del blog es el siguiente:

Como la realidad avanza mucho más rápido que el pasmoso discurso de sus estudiosos, proponemos el Observatorio de Prácticas Musicales Emergentes: un sitio para promover el intercambio de información y reflexión sobre fenómenos musicales incipientes que se difunden en la red u otros espacios.

El Observatorio quiere llamar la atención sobre prácticas para las cuales aún no hay instrumentos de análisis o discursos explicativos, o en caso de existir, éstos no circulan con fluidez entre nuestra comunidad. Se pretende propiciar el diálogo entre especialistas que colaboren a relacionar estas prácticas desperdigadas por la red (u otros espacios), así como su reflexión, construcción de preguntas de investigación y, a mediano plazo, la formulación de proyectos.

El Observatorio de Prácticas Musicales Emergentes es una iniciativa de la SIbE/IASPM-España abierta a todos los colegas interesados, en especial a todos los miembros de la SIbE y de las diversas ramas de la IASPM.

Los invitamos a enviar a los editores enlaces a fragmentos de texto, audio o video, con sus propios comentarios y apreciaciones, así como a participar en el diálogo sobre los materiales ya inscritos en el Observatorio. Se abrirá una categoría para cada tema e hilo de discusión al cual se podrá acceder en cualquier momento.

Efecto Haas: lo nuevo de Europa según América (del norte)

En su blog The Rest is noise, el crítico del New Yorker, Alex Ross destaca la obra de Georg Friedrich Haas.
A los amigos europeos; ¿me cuentan un poco más de este compositor austríaco?

120 Maquina Lirica un par de audio-clips

Recta final de la preparación de 120 Máquina Lírica. Se trata de un intervención sonora en las entrañas del Teatro Argentino de La plata encargada por el TACEC, que hacemos con Buenos Aires Sonora, más cantantes, instrumentistas, videastas, etc. Una movida de veintipico de personas que implica para el público recorrer diferentes espacios de la sala platense. Salvo la sala principal! Acá abajo algunos clips de audios que vamos a usar.



Votre voix, versión para cajita de música



Cinta electroacústica escena final (fragmento)

La música "clásica" argentina en Ñ

Jorge Fondebrider, en la Revista Ñ, coordinó un extenso dossier sobre "El boom de la música clásica en la Argentina". Dejando de lado la cuestión sobre el título, lo que importan son varios de los artículos publicados, varios de los cuales refieren a la música "contemporánea" nacional.
Abajo, la lista de textos, resumenes y autores (entre los que me cuento)


Informe especial
El boom de la música clásica en la Argentina

La música clásica en la Argentina
Más allá de los aniversarios, de sus fastos y de otras manifestaciones externas de nuestra identidad como país, hay en muchos argentinos una conmovedora voluntad de preservar y difundir algunas de las expresiones más importantes del espíritu para continuar afianzando nuestro propio perfil. La música de tradición escrita es una de ellas y, según se lee en el siguiente informe, a pesar de la desidia oficial y del desinterés de los sectores más altos de la sociedad, goza de muy buena salud.


Un término muy amplio
Consultado por Ñ, el autor de "La música del siglo XX", de "Efecto Beethoven" y del reciente "El principio del terror" intenta ofrecer una respuesta a la compleja pregunta sobre qué es música clásica en la actualidad.
Por Diego Fischerman

Compositores argentinos
¿Qué música hay que hacer hoy?
Con una brutalidad inusitada, la pregunta se les plantea a muchos compositores contemporáneos actuales, luego de que los paradigmas que rigieron la composición musical hasta la mitad del siglo pasado entraron en crisis. Después de revisar la historia reciente de la música de tradición escrita, el autor del presente artículo propone su personal respuesta al problema.
Por Tomas Gubitsch

Música y modernidad
La edición de una pormenorizada investigación del musicólogo Omar Corrado permite la recuperación del legado musical clásico argentino de las primeras décadas del siglo XX, constituyéndose así desde ahora en referencia obligada.
Por Federico Monjeau

Un magma en movimiento
Desde hace al menos tres generaciones, los compositores contemporáneos argentinos han forjado una rica trama, que persiste en tenso equilibrio.
Por Martín Liut

Para entender la nostalgia
Sin que el público tenga clara conciencia de ello, así como en el caso de los jugadores de fútbol, los compositores argentinos cotizan bien en el exterior.
Por Pablo Ortiz


Los nuevos portadores de la antorcha
Una rápida mención de algunos de los más destacados músicos argentinos de la actualidad y las razones de su éxito en los escenarios internacionales.
Por Gustavo Fernández Walker

Cuentas pendientes
Como en tantas otras ramas de la actividad cultural dependiente del Estado, la situación en el campo de las orquestas públicas es precaria. Aquí, las causas, los déficits educativos y sus posibles soluciones.
Por Sebastián Chouza

Pensar en nada
Una prestigiosa pianista revela lo que pasa por la cabeza de un músico a la hora de ejecutar una pieza y cuáles son algunas de las varias y posibles estrategias que sigue para vaciar su mente a la hora del concierto.
Por Silvia Dabul

Cantar después de una profunda reflexión
Bernarda Fink es una de las más importantes cantantes argentinas. Elegida por los mayores directores, pasó brevemente por Buenos Aires, donde dio un recital y fue entrevistada por Ñ.
Por Gustavo Fernández Walker

La ópera habla de las pasiones humanas
Especialista en ópera, Marcelo Lombardero imagina el papel que le cabe al género en la Argentina. "Tiene aún mucho para decir", afima.
Por Andrés Narr

Qué discos clásicos se editan en la Argentina
En comparación con lo que se edita en otros países, es muy poco. Sin embargo, dadas las dimensiones reales del mercado local, la edición de discos clásicos en la Argentina debería considerarse como política cultural, más allá del mero negocio.
Por Jorge Fondebrider

Orquestas infantiles y juveniles
Un proyecto comenzado en la Argentina en 1998 y continuado gobierno tras gobierno revela que la inclusión social también puede lograrse de manera eficiente y sostenida a través de la música.
Por Santiago Rosso

Qué, dónde, cuándo y cómo de la música
Sin la pretensión de exhaustividad, en el presente artículo se mencionan algunas de las instituciones dedicadas a la educación musical, los festivales de música clásica y las asociaciones que organizan conciertos en la Argentina.
Por Natalia Viñes

La música que usan los escritores
Se supone que son lectores privilegiados. Pero, ¿son también oyentes privilegiados? No hay una única respuesta para la pregunta que, desarrollada en las páginas siguientes, traza un breve mapa de gustos musicales.
Por Carolina Esses


La apoteosis de Barenboim
Aquí una muestra gráfica del proyecto ciclópeo de Daniel Barenboim, que vino con la orquesta del West-Eastern Divan para la integral de sinfonías de Beethoven, además de programas de cámara y conciertos con la orquesta y el coro de la Scala de Milán, gira que aún no terminó.

Autobombo: "120-Máquina Lírica"

¿Qué es "120 Máquina Lirica" la nueva producción de Buenos Aires Sonora?

Es un recorrido con múltiples sentidos:

• por el interior de un teatro productor de arte lírico
• por la la voz humana.
• por los 120 años de historia del Teatro Argentino

Hoja de Ruta:

1. Obertura. Per che? (cuarteto vocal).Comienzo del recorrido en el foyer de la Sala Ginastera.
2. Descenso antifonal por escaleras laterales.
3. Sala Pettorutti: Votre voix, (vals francés, soprano, bajo).
4. Salas de ensayos menores: Orfeo deconstruido (tenor y acompañantes).
5. Sala de ensayo de orquesta. Pedagogía de la Máquina Lírica (guía, mezzo y video)
6. Descenso por escaleras a 4° subsuelo: La virgen del Teatro (instalación sonora).
7. Depósito de escenografías: La doble de Tosca (ensayo)
8. Subida por ascensores al Tacec: Dos versiones de la historia.
9. Final del recorrido en Tacec + Sala principal: muerte y transfiguración de la máquina lírica (Tutti).

La tetralogía según la Fura Dels Baus |

Más vale tarde: los amigos de FidelioSite avisan que Film & Arts está pasando completa la tetralogia deWagner, en la puesta de la Fura dels Baus:
La tetralogía según la Fura Dels Baus |

La música como metáfora política

Dice Esteban Buch, en una entrevista publicada en la Revista Ñ, sobre el perfil de su trabajo.

Justamente, muchos de sus libros no tratan sobre música de traducción escrita, sino más bien sobre música popular. ¿Por qué se atuvo al primer caso?

Bueno, mi primer trabajo musical fue sobre el Himno y la principal característica de los himnos es estar fuera de toda clasificación genérica y de la discusión música de tradición escrita y música popular... Pero sí, después es cierto: trabajé sobre Beethoven, sobre Alban Berg, ahora sobre Schönberg. Debería decir que fue por especialización, también hasta cierto punto por gusto –y digo cierto punto porque escucho muchísima música popular–, pero fundamentalmente porque se trata de cuestiones históricas de más largo plazo que tal vez todavía no permita por ejemplo el rock. Y conste que digo esto sin pretender que la música clásica es mejor que la popular. Creo que ese tipo de jerarquización por género ya no tiene validez en esta época. De hecho, mi trabajo más reciente trata sobre el cruce entre géneros: los tangos compuestos por compositores académicos. Lo que me interesa es, justamente, la dimensión política de cómo se han constituido las jerarquías entre géneros. Por ahora es apenas un proyecto...

La nota completa, acá

Zeitkratzer: más sobre el fin de la música pura

Siguiendo el tema del fin de la idea de una música pura, me encontré con esta gente, los Zeitkratzer.
La traducción no la se bien. Zeit es tiempo y Kratzer en inglés es scratch. No se si hacen referencia al scratching de los dj's o el hecho de "rayar" el tiempo. Algo así como "tachadores del tiempo"
En cualquier caso, es muy ilustrativo el modo en que esta gente se unió, como trabajan en forma independiente, qué piensan de la idea de una música pura y qué hacen con el modo de conformar su repertorio:

Zeitkratzer was founded in 1999. Its concept of a European soloists ensemble is unique worldwide. The nine musicians, the light and the sound engineer live in different European cities from Vienna via Amsterdam to London and meet for working phases at Berlin. Here, new projects are developed - in recent years as a steady guest of the Volksbuehne Berlin.

zeitkratzer finances itself through free projects and international concerts and thus is independant of institutional investors. This freedom allowed idiosyncratic and pathbreaking programs that made zeitkratzer internationally recognized. The repertoire comprises works and projects by and with such different musicians as Karlheinz Stockhausen, Lou Reed, Carsten Nicolai, John Cage, Keiji Haino, Jim O’Rourke, James Tenney, Helmut Oehring, La Monte Young, Merzbow, Alvin Lucier, … as well as many interdisciplinary cooperations.

Zeitkratzer has realized all those projects with different musicians and artists without ever worrying about preserving the “purity” of new music. Music, especially so-called new music, thrives on continuous contamination. The idea of „pure taste“ as an independent aesthetic category was revealed by Pierre Bourdieu to be a medium of social distinction. “Thus, pure taste is based on nothing else but a rejection or rather disgust for the objects that ‘force us to enjoy’, such as disgust for such crude, vulgar taste that is also appealing in this forced enjoyment.“ (Pierre Bourdieu (1987). Die feinen Unterschiede. Frankfurt am Main. p.761)

Zeitkratzer benefits from its musicians, their advanced and unique playing techniques, their acquaintance with electronics and technologies, their hybrid experience backgrounds: new or improvised music, experimental Rock and Pop, Noise, Ambient, Folk Music, … Meanwhile, the awards range from the German Jazz Award (Frank Gratkowski) via a fellowship at the Kings College Cambridge (Anton Lukoszevieze) to a composition commission by the French state (Reinhold Friedl).

Por cierto, los fragmentos sonoros que hay en la página permiten inferir que los tipos tocan y mucho. Y hacen una especie de culto a sonar tan bien en vivo como en estudios.

El fin de la música pura

Venimos hablando este tema desde hace bastante tiempo. Obviamente, no somos originales. El argentino radicado en Francia, Oscar Strasnoy asegura en una entrevista que publica Clarín:

Me da la sensación de que la música “pura” ya no es suficiente, y el compositor de hoy necesita completar con textos o con puesta en escena. No es mi caso, porque desde el comienzo me interesó el teatro musical, pero me da la impresión de que los conciertos se volvieron cada vez más insoportables, que muy poca gente quiere ir a escuchar lo que se llama música contemporánea y que la píldora pasa mejor si hay un soporte visual.

¿Por qué indica comillas al hablar de música pura?

Creo que la música no es nunca pura, así como la pintura no es nunca completamente abstracta.
La nota completa, acá

Cisnes y ratas en Bayreuth

Nueva era en el Festival de Bayreuth, ahora mandan Katharina Wagner y Eva Wagner-Pasquier. Las muchachas apostaron fuerte y convocaron como puestista para una nueva producción de Lohengrin a Hans Neunfels.
Por lo que comenta Alex Ross, Neunfels no se anduvo con eufemismos, toma a la sociedad como un laboratorio experimental e hizo transformar al coro en ratas. Aquí abajo el post de Ross, que lleva a su vez a ver fotos y comentarios:

Above is an image from Hans Neuenfels's rat-infested production of Lohengrin, which opened at Bayreuth earlier today. The customary explosion of boos greeted the directing team when they made their bows. On the webcast one could also hear, oddly, a few boos for Andris Nelsons, who, I thought, conducted with pulsing energy and palpable musical authority. Chancellor Angela Merkel was in the audience, and, amid the clamor, she was observed to direct applause in Neuenfels's direction. "Das war wunderbar," she said afterward, according to Die Welt. Perhaps the rats spoke to her allegorically....

OEIN: 30 años

En La Paz, Bolivia, se están celebrando los 30 años de la Orquesta Experimental de Instrumentos Nativos. Fundada por el compositor Cergio Prudencio es la demostración práctica de lo importante que es la continuidad de un proyecto. Pudimos conocer de primera mano algo del proceso de aprendizaje y crecimiento artístico de los integrantes, el propio compositor y las nuevas generaciones de creadores bolivianos cuando Cergio ofreció una brillante conferencia sobre la historia del grupo, en la UNQ. Un aspecto valioso para seguir como ejemplo es algo que Cergio me comentó cuando lo traía de vuelta al centro porteño y es que está surgiendo una nueva generación de compositores interesados por el proyecto OEIN.
Aquí abajo, notas del programa del concierto aniversario:

"El presente programa remite a tres instancias referenciales de la Orquesta Experimental de Instrumentos Nativos (OEIN) en su tránsito de 30 años.
Los sikus (Prov. Larecaja y Omasuyos) representan a los ancestros más profundos de esta urbe y constituyen voz insoslayable de antiguas pulsiones aimaras. Son también una constante presencia de lo rural en lo urbano, en una ciudad que es metrópolis atravesada de campo y campo atravesado de metrópolis. Hacemos argumento del espacio ajeno desde donde los tomamos ahora, para expresarnos como seres contemporáneos concientes de ese fundamental subconciente cultural.
Estratos (Tato Taborda) es el sonido de la geología donde La Paz se asienta. Expresa las texturas de la montaña, sus colores, sus sombras radicales, sus capas ocres, una sobre otra, una al lado de las otras; y también la transparencia de la atmósfera en la levedad de su aire. La obra nos acerca auditivamente a la materia planetaria de la que está hecha esta urbe. Y por otra parte, testimonia las interrelaciones que la OEIN ha desarrollado con creadores de otros
orígenes.
La ciudad (Cergio Prudencio) es el retrato de La Paz como tiempo y espacio a la misma
vez; como pacha, en definitiva. Viene de las imágenes que Blanca Wiethüchter leyó en los gestos de la ciudad; en su figura, en sus calles, en su historia, en sus impulsos sociales, en sus habitantes. Pero además, La ciudad es la carta de nacimiento de la OEIN, la obra que detonó un amplio campo de posibilidades expresivas para nuestra música contemporánea. La invocamos ahora, para celebrar aquí, en/con nuestra ciudad-madre-tierra, los 30 años del
alumbramiento."
Cergio Prudencio

La música después de la música pura

Concierto del trío "Música Impura". Devoto (vc) – Spinelli (cl) –García (pf), tocan obras de Beat Furrer, Toshio Hosokawa; Alberto Hortigüela; y de los argentinos en la "legión extranjera", Mario Mary y Marcelo Toledo Sábado 24 de julio, a las 19, en el Centro Nacional de la Música Sala: Guastavino México 564. Entrada gratuita.

El concierto se da en el marco del 5º ciclo de conciertos de música contemporánea organizado por la Direción Nacional de Música que, tosudamente mantiene viento en popa el compositor Juan Ortiz de Zarate.

Crónicas de un despropósito anunciado

(foto: Diario La Nación)

Por razones muuuuy difíciles de entender, el CETC pasó la tercera de las funciones en las que se presentó el Trío Luminar a la sala principal del Colón. Solo con saber que el trío es de flauta, viola y arpa sería suficiente para darse cuenta de que es una locura mandarlas a Da Dalt, Magin y Jancsa a tocar en los 20.000 metros cúbicos de la sala grande. ¡Y con telón cerrado! Parece que no tenían otra cosa para el feriado del 9 y quería hacer una función "para todo público". Pero no le hacen ningún favor a una propuesta que era, claramente, intimista. Ni a la propuesta, ni al público que, por azar, pasó esa noche por el Colón.
Cuando me enteré del cambio, decidí anticiparme e ir a la función del jueves, en la remozada sala del CETC. Parece que Federico Monjeau no pudo ir antes, lo que nos deja su acertada reflexión sobre el asunto en la crítica de hoy:"Un concierto asordinado". Y, más allá de la incomodidad de la situación, tuvo espacio para comentar sobre las obras.

Actualización: se ve que, como el concierto se llamaba "Generación bicentenario" (porque incluyó solo obras de compositores argentinos entre los 20 y los 30 y pico: Diez Fischer, Galperín, Giuliani, Azaretto), quisieron asociarlo a la fecha patria. Y tal vez por eso los críticos fueron ese día. También Pablo Gianera comenta el concierto aquí

Pensar la música

Esteban Buch, musicólogo argentino radicado en París, pasó esta semana por Buenos Aires. Ofreció conferencias en la UNQ, Bellas Artes de la UNLP y coordinó una jornada sobre tango en la Alianza Francesa. Y presentó la edición castellana de su libro "El caso Schoenberg". Aquí, un link a la entrevista que le hace Pablo Gianera sobre este (nuevamente brillante) trabajo de investigación de uno de los tipos que con más inteligencia, piensa sobre música. En ADN

25 años sin partitura (sobre Music for 18 musicians)

Charla telefónica con mi amigo Abel Gilbert. Llegamos al tema de la notación musical y el estatuto de la "obra = partitura". Me comenta de un libro (Nunca me va a dejar de soprender su capacidad no solo para leer una cantidad de libros alucinantes por semana, sino por la rápida asimiliación que hace de la información que encuentra en ellos). Se trata de uno de textos de Steve Reich. Gracias a él, me entero que "Music for 18 musicians" fue tocada solamente por el ensamble que el propio Reich armó para estrenarlo, no por una cuestión de "exclusividad", sino porque, más simplemente, no había "partitura" (en un sentido formalizado tradicional). Recién la terminó de escribir, muy trabajosamente, parece, cuando se la pasó para que la grabaran los muchachos del Ensamble Modern 20 años más tarde de haber sido estrenada. Como dice Gilbert es una "obra de ensayo".

"El Caso Golijov", este lunes en FM Clásica

Este lunes, de 21 a 22 , en FM Clásica de Radio Nacional, voy a conducir un programa dedicado a la música Osvaldo Golijov. En el marco de un ciclo sobre compositores argentinos en el bicentenario, acepté la invitación de Pablo Kohan entre otras cosas porque la obra de Golijov se ha presentado como una especie de enigma-dilema para el medio "contemporáneo" local.
Golijov genera una mezcla de desconfianza y irritación entre compositores y críticos. Y aceptación franca entre melómanos y públicos no habitués. Su ópera Ainadamar fue elegida por el Teatro Argentino de La plata para el programa del 25 de mayo de 2010, junto con un "clásico nacional", Estancia de Ginastera (pero con la buenísima idea de poner a un coreógrafo problematizado por la obra, Carlos Trunsky, que tuvo como consecuencia una propuesta interesantísima, en tensión con el mensaje de Ginastera). El programa fue un acierto doble, contrastado por lo archi-conservador y remanido de la propuesta del restaurado Colón.
Hubo tres funciones, a sala llena. Los críticos fueron elogiosos, pero con matices que muestran esta incomodidad que genera, en el medio de la música contemporánea, la estética de Golijov. Aquí cito tres fragmentos (los links a los artículos completos están en los apellidos de los autores)

Fischerman:
"Ainadamar es una ópera contemporánea. Es una obra escrita por el músico de los últimos films de Francis Ford Coppola. Es una composición del colaborador más estrecho de Gustavo Santaolalla y del arreglador de gran parte del repertorio que toca el Kronos Quartet. Ainadamar es una producción “clásica”, que incluye un cantaor, guitarras y percusión flamenca. Es una pieza popular cuya grabación ganó dos Grammy, los correspondientes a “mejor grabación de ópera” y a “mejor creación contemporánea” del año 2007. Y es, también, la obra de un argentino, nacido en La Plata, educado en Nueva York y, ahora, famoso en el mundo. Y la particularidad de esta ópera contemporánea que podría, sin embargo, molestar por igual a los amantes de la ópera y a los de la música contemporánea, es que cada una de estas aparentes contradicciones, en lugar de chocar se entrecruzan y potencian. Lejos de no corresponder a ninguna de las categorías corrientes, las contiene a todas y las traduce a un lenguaje de escritura virtuosa y portentosa originalidad".

Gianera:
La música del argentino Osvaldo Golijov se parece a un aerolito hecho de materiales aisladamente reconocibles -provenientes sobre todo las tradiciones populares-, pero en combinaciones inesperadas. A pesar de su éxito fulminante en Estados Unidos, o acaso a causa de él, Golijov es un personaje un poco singular en el paisaje de la llamada música contemporánea, y buena parte de su obra de los últimos años podría escucharse como el indicio un malestar con el sistema de valores que solía dominar esa música.

Monjeau:
Nadie parece más alejado que Osvaldo Golijov del ideal romántico-modernista de un material musical ”puro”, que se vuelve significativo a partir de su empleo en una obra singular. Las obras de Golijov transcurren sobre un fondo, sobre una topografía musical, y el paisaje de esta ópera sobre Federico García Lorca es andaluz.

Una de las leyendas vivas de la modernidad-contemporánea local, Gerardo Gandini, transformó a Golijov en el "mal ejemplo", para las nuevas generaciones. Dijo Gandini"Los chicos quieren estar muy a la page. Entonces usan técnicas extendidas y esas cosas. Por otro lado, no hay que olvidarse de que vivieron intensamente la etapa del rock. Lo que no siguen, por suerte, es la onda comercial tipo Golijov. Van a algo más duro."
Acá va mi aporte a la polémica: A mi me parece que Golijov es consecuencia de las ideas musicales de Gandini, mal que le pese a él. Por ejemplo, se trataría de pasar del "museo imaginario" de la música clásica de Gandini, a la feria de las músicas planetarias de Golijov. Planteado así, estaríamos hablando de una cuestión de escala. El comentario previo de Monjeau sería el primer reparo. Tengo que pensar un poco más el asunto. Pero tanta incomodidad en Gandini que, por cierto, fue maestro de Golijov antes de que éste se fuera al exterior dice algo, ¿no?
Honestamente, yo tampoco sé qué pensar respecto de Golijov y su música. Me parece que la ópera, el teatro musical es un terreno fértil, ideal para su estética (me gusto su "Pasión" y "Ainadamar"). En cambio lo instrumental no me cierra en modo alguno (por ejemplo no entendí qué cuernos se supone que es "Levante" la obra para piano que le escuché tocar a Horacio Lavandera). En cualquier caso hay algo de "no-pudoroso" y "no-recatado" en su producción que me genera simpatía.

Por último, dos preguntas de Fischerman y dos respuestas de Golijov, en su paso por La Plata para el estreno de Ainadamar:

–¿Existe, en la actualidad, más libertad creativa para un músico que la que había en los sesenta y setenta?

–Son libertades distintas. Creo que aquí, en los años del Di Tella, por ejemplo, había muchísima libertad y muchísimo espíritu de riesgo. Esas experimentaciones hoy son certezas y ya se estudian en las academias, No implican riesgo alguno. La libertad hoy, entonces, es otra.

–Podría pensarse que la ópera es un género del pasado. Y, sin embargo, ha escrito una ópera y está componiendo otra. ¿Qué encuentra allí de actual, de vital?

–En la actualidad la ópera es un género mucho más cercano a la sensibilidad del público, incluso del público joven, que la música instrumental. Es muscular; allí hay movimiento, hay espectáculo. Por supuesto, la ópera no puede ser igual a aquella en la que el hombre y la mujer del siglo XIX se sentían representados. Pero, sin duda, es un tipo de arte cargado de actualidad y lleno de posibilidades.

Obras argentinas para piano por Mesz

Un poco de autobombo. La info detallada de obras, en el blog de Aie Juárez, Música en perspectivas.

Desde el piano

Piezas argentinas de nuestro tiempo

Obras de A. Juárez, Kagel, Kröpfl, Liut, Pavlovsky, Sad y Tarrats

Bruno Mesz y Martín Pavlovsky al piano

Sala Carlos Guastavino del Centro Nacional de la Música

México 564, CABA, Domingo 6 de junio, 19 hs.

Entrada libre y gratuita