Música, universo en expansión

La música es el denominador común a la hora componer, tocar, dar clases, investigar y hasta escribir en general. Música, entendida para mi, como un universo en permanente expansión.

sábado, 31 de julio de 2010

La música como metáfora política

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Dice Esteban Buch, en una entrevista publicada en la Revista Ñ, sobre el perfil de su trabajo.

Justamente, muchos de sus libros no tratan sobre música de traducción escrita, sino más bien sobre música popular. ¿Por qué se atuvo al primer caso?

Bueno, mi primer trabajo musical fue sobre el Himno y la principal característica de los himnos es estar fuera de toda clasificación genérica y de la discusión música de tradición escrita y música popular... Pero sí, después es cierto: trabajé sobre Beethoven, sobre Alban Berg, ahora sobre Schönberg. Debería decir que fue por especialización, también hasta cierto punto por gusto –y digo cierto punto porque escucho muchísima música popular–, pero fundamentalmente porque se trata de cuestiones históricas de más largo plazo que tal vez todavía no permita por ejemplo el rock. Y conste que digo esto sin pretender que la música clásica es mejor que la popular. Creo que ese tipo de jerarquización por género ya no tiene validez en esta época. De hecho, mi trabajo más reciente trata sobre el cruce entre géneros: los tangos compuestos por compositores académicos. Lo que me interesa es, justamente, la dimensión política de cómo se han constituido las jerarquías entre géneros. Por ahora es apenas un proyecto...

La nota completa, acá

jueves, 29 de julio de 2010

Zeitkratzer: más sobre el fin de la música pura

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Siguiendo el tema del fin de la idea de una música pura, me encontré con esta gente, los Zeitkratzer.
La traducción no la se bien. Zeit es tiempo y Kratzer en inglés es scratch. No se si hacen referencia al scratching de los dj's o el hecho de "rayar" el tiempo. Algo así como "tachadores del tiempo"
En cualquier caso, es muy ilustrativo el modo en que esta gente se unió, como trabajan en forma independiente, qué piensan de la idea de una música pura y qué hacen con el modo de conformar su repertorio:

Zeitkratzer was founded in 1999. Its concept of a European soloists ensemble is unique worldwide. The nine musicians, the light and the sound engineer live in different European cities from Vienna via Amsterdam to London and meet for working phases at Berlin. Here, new projects are developed - in recent years as a steady guest of the Volksbuehne Berlin.

zeitkratzer finances itself through free projects and international concerts and thus is independant of institutional investors. This freedom allowed idiosyncratic and pathbreaking programs that made zeitkratzer internationally recognized. The repertoire comprises works and projects by and with such different musicians as Karlheinz Stockhausen, Lou Reed, Carsten Nicolai, John Cage, Keiji Haino, Jim O’Rourke, James Tenney, Helmut Oehring, La Monte Young, Merzbow, Alvin Lucier, … as well as many interdisciplinary cooperations.

Zeitkratzer has realized all those projects with different musicians and artists without ever worrying about preserving the “purity” of new music. Music, especially so-called new music, thrives on continuous contamination. The idea of „pure taste“ as an independent aesthetic category was revealed by Pierre Bourdieu to be a medium of social distinction. “Thus, pure taste is based on nothing else but a rejection or rather disgust for the objects that ‘force us to enjoy’, such as disgust for such crude, vulgar taste that is also appealing in this forced enjoyment.“ (Pierre Bourdieu (1987). Die feinen Unterschiede. Frankfurt am Main. p.761)

Zeitkratzer benefits from its musicians, their advanced and unique playing techniques, their acquaintance with electronics and technologies, their hybrid experience backgrounds: new or improvised music, experimental Rock and Pop, Noise, Ambient, Folk Music, … Meanwhile, the awards range from the German Jazz Award (Frank Gratkowski) via a fellowship at the Kings College Cambridge (Anton Lukoszevieze) to a composition commission by the French state (Reinhold Friedl).

Por cierto, los fragmentos sonoros que hay en la página permiten inferir que los tipos tocan y mucho. Y hacen una especie de culto a sonar tan bien en vivo como en estudios.

miércoles, 28 de julio de 2010

El fin de la música pura

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Venimos hablando este tema desde hace bastante tiempo. Obviamente, no somos originales. El argentino radicado en Francia, Oscar Strasnoy asegura en una entrevista que publica Clarín:

Me da la sensación de que la música “pura” ya no es suficiente, y el compositor de hoy necesita completar con textos o con puesta en escena. No es mi caso, porque desde el comienzo me interesó el teatro musical, pero me da la impresión de que los conciertos se volvieron cada vez más insoportables, que muy poca gente quiere ir a escuchar lo que se llama música contemporánea y que la píldora pasa mejor si hay un soporte visual.

¿Por qué indica comillas al hablar de música pura?

Creo que la música no es nunca pura, así como la pintura no es nunca completamente abstracta.
La nota completa, acá

lunes, 26 de julio de 2010

Cisnes y ratas en Bayreuth

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Nueva era en el Festival de Bayreuth, ahora mandan Katharina Wagner y Eva Wagner-Pasquier. Las muchachas apostaron fuerte y convocaron como puestista para una nueva producción de Lohengrin a Hans Neunfels.
Por lo que comenta Alex Ross, Neunfels no se anduvo con eufemismos, toma a la sociedad como un laboratorio experimental e hizo transformar al coro en ratas. Aquí abajo el post de Ross, que lleva a su vez a ver fotos y comentarios:

Above is an image from Hans Neuenfels's rat-infested production of Lohengrin, which opened at Bayreuth earlier today. The customary explosion of boos greeted the directing team when they made their bows. On the webcast one could also hear, oddly, a few boos for Andris Nelsons, who, I thought, conducted with pulsing energy and palpable musical authority. Chancellor Angela Merkel was in the audience, and, amid the clamor, she was observed to direct applause in Neuenfels's direction. "Das war wunderbar," she said afterward, according to Die Welt. Perhaps the rats spoke to her allegorically....

domingo, 25 de julio de 2010

OEIN: 30 años

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En La Paz, Bolivia, se están celebrando los 30 años de la Orquesta Experimental de Instrumentos Nativos. Fundada por el compositor Cergio Prudencio es la demostración práctica de lo importante que es la continuidad de un proyecto. Pudimos conocer de primera mano algo del proceso de aprendizaje y crecimiento artístico de los integrantes, el propio compositor y las nuevas generaciones de creadores bolivianos cuando Cergio ofreció una brillante conferencia sobre la historia del grupo, en la UNQ. Un aspecto valioso para seguir como ejemplo es algo que Cergio me comentó cuando lo traía de vuelta al centro porteño y es que está surgiendo una nueva generación de compositores interesados por el proyecto OEIN.
Aquí abajo, notas del programa del concierto aniversario:

"El presente programa remite a tres instancias referenciales de la Orquesta Experimental de Instrumentos Nativos (OEIN) en su tránsito de 30 años.
Los sikus (Prov. Larecaja y Omasuyos) representan a los ancestros más profundos de esta urbe y constituyen voz insoslayable de antiguas pulsiones aimaras. Son también una constante presencia de lo rural en lo urbano, en una ciudad que es metrópolis atravesada de campo y campo atravesado de metrópolis. Hacemos argumento del espacio ajeno desde donde los tomamos ahora, para expresarnos como seres contemporáneos concientes de ese fundamental subconciente cultural.
Estratos (Tato Taborda) es el sonido de la geología donde La Paz se asienta. Expresa las texturas de la montaña, sus colores, sus sombras radicales, sus capas ocres, una sobre otra, una al lado de las otras; y también la transparencia de la atmósfera en la levedad de su aire. La obra nos acerca auditivamente a la materia planetaria de la que está hecha esta urbe. Y por otra parte, testimonia las interrelaciones que la OEIN ha desarrollado con creadores de otros
orígenes.
La ciudad (Cergio Prudencio) es el retrato de La Paz como tiempo y espacio a la misma
vez; como pacha, en definitiva. Viene de las imágenes que Blanca Wiethüchter leyó en los gestos de la ciudad; en su figura, en sus calles, en su historia, en sus impulsos sociales, en sus habitantes. Pero además, La ciudad es la carta de nacimiento de la OEIN, la obra que detonó un amplio campo de posibilidades expresivas para nuestra música contemporánea. La invocamos ahora, para celebrar aquí, en/con nuestra ciudad-madre-tierra, los 30 años del
alumbramiento."
Cergio Prudencio

miércoles, 21 de julio de 2010

La música después de la música pura

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Concierto del trío "Música Impura". Devoto (vc) – Spinelli (cl) –García (pf), tocan obras de Beat Furrer, Toshio Hosokawa; Alberto Hortigüela; y de los argentinos en la "legión extranjera", Mario Mary y Marcelo Toledo Sábado 24 de julio, a las 19, en el Centro Nacional de la Música Sala: Guastavino México 564. Entrada gratuita.
El concierto se da en el marco del 5º ciclo de conciertos de música contemporánea organizado por la Direción Nacional de Música que, tosudamente mantiene viento en popa el compositor Juan Ortiz de Zarate.

domingo, 11 de julio de 2010

Crónicas de un despropósito anunciado

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(foto: Diario La Nación)

Por razones muuuuy difíciles de entender, el CETC pasó la tercera de las funciones en las que se presentó el Trío Luminar a la sala principal del Colón. Solo con saber que el trío es de flauta, viola y arpa sería suficiente para darse cuenta de que es una locura mandarlas a Da Dalt, Magin y Jancsa a tocar en los 20.000 metros cúbicos de la sala grande. ¡Y con telón cerrado! Parece que no tenían otra cosa para el feriado del 9 y quería hacer una función "para todo público". Pero no le hacen ningún favor a una propuesta que era, claramente, intimista. Ni a la propuesta, ni al público que, por azar, pasó esa noche por el Colón.
Cuando me enteré del cambio, decidí anticiparme e ir a la función del jueves, en la remozada sala del CETC. Parece que Federico Monjeau no pudo ir antes, lo que nos deja su acertada reflexión sobre el asunto en la crítica de hoy:"Un concierto asordinado". Y, más allá de la incomodidad de la situación, tuvo espacio para comentar sobre las obras.

Actualización: se ve que, como el concierto se llamaba "Generación bicentenario" (porque incluyó solo obras de compositores argentinos entre los 20 y los 30 y pico: Diez Fischer, Galperín, Giuliani, Azaretto), quisieron asociarlo a la fecha patria. Y tal vez por eso los críticos fueron ese día. También Pablo Gianera comenta el concierto aquí

sábado, 10 de julio de 2010

Pensar la música

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Esteban Buch, musicólogo argentino radicado en París, pasó esta semana por Buenos Aires. Ofreció conferencias en la UNQ, Bellas Artes de la UNLP y coordinó una jornada sobre tango en la Alianza Francesa. Y presentó la edición castellana de su libro "El caso Schoenberg". Aquí, un link a la entrevista que le hace Pablo Gianera sobre este (nuevamente brillante) trabajo de investigación de uno de los tipos que con más inteligencia, piensa sobre música. En ADN

sábado, 3 de julio de 2010

25 años sin partitura (sobre Music for 18 musicians)

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Charla telefónica con mi amigo Abel Gilbert. Llegamos al tema de la notación musical y el estatuto de la "obra = partitura". Me comenta de un libro (Nunca me va a dejar de soprender su capacidad no solo para leer una cantidad de libros alucinantes por semana, sino por la rápida asimiliación que hace de la información que encuentra en ellos). Se trata de uno de textos de Steve Reich. Gracias a él, me entero que "Music for 18 musicians" fue tocada solamente por el ensamble que el propio Reich armó para estrenarlo, no por una cuestión de "exclusividad", sino porque, más simplemente, no había "partitura" (en un sentido formalizado tradicional). Recién la terminó de escribir, muy trabajosamente, parece, cuando se la pasó para que la grabaran los muchachos del Ensamble Modern 20 años más tarde de haber sido estrenada. Como dice Gilbert es una "obra de ensayo".